03 marzo 2014

DESNUDOS DE DÉBORA ARANGO. DÉBORA ARANGO: ACUARELAS.

 
 
"La Mística". 1940.
Acuarela.
 
 
"Un desnudo es un paisaje en carne humana"
 
-Débora Arango-
 
 


 
 
"La Celestina" (Fragmento obra)1952.
 
 
"El Arte no tiene que ver con la moral"
 
-Débora Arango-
 
 


 
 
Débora Arango, 1946.
Fotografía Gabriel Carvajal.
Archivo fotográfico.
Biblioteca Pública Piloto.
 
 
"Débora Arango, la famosa acuarelista antioqueña, es ampliamente conocida en nuestros círculos artísticos. En reciente fecha provocó en Medellín una encendida crítica por haber presentado en la exposición de "Amigos del Arte" algunos paganos desnudos que le merecieron agudos comentarios en la prensa católica de aquella ciudad..."
 
- Periódico "El Espectador"-
 
 


 
 
"Contrastes", 1940.
Acuarela.
 
 
DÉBORA ARANGO
 
Artista colombiana.
Discípula del expresionismo.
Es una artista relevante del siglo XX y en Colombia está considerada una de las más importantes que han tenido en su historia.
Nació en Medellín, 1907 y murió en Envigado, 2005.
 
 
 
"He venido a Bogotá porque me dicen que el ambiente artístico aquí es más amplio: que aquí se diga algo sobre mi manera de pintar sin que se entretengan en consideraciones más o menos complicadas acerca de la moralidad de los temas".
 
 


 
 
"Contrastes" (Fragmento obra).
 
 
"Se ha dicho que yo he realizado mi entrenamiento en la técnica del desnudo bajo la tutela directa del maestro Pedro Nel Gómez. Esto no es bien exacto, pues aunque sigo considerándome una discípula de Pedro Nel, lo cierto es que todos los estudios de desnudos que he realizado los he ejecutado en mi casa, siguiendo mi propia iniciativa.
La técnica de Pedro Nel ha influído poderosamente en mi estilo; pero yo he desarrollado el mío con temas propios, siguiendo mis personales inclinaciones."
 
-Débora habla para "El Diario"-
 


 
 
"La Mística" (Fragmento obra).
 
 


 
 
"Montañas", 1940.
Acuarela.
 
 


 
 
"Montañas" (Fragmento obra).
 
 
"Yo no espero que todos estén de acuerdo con una cuestión como ésta tan discutible, tan relativa, según las distintas opiniones que existen al respecto. Es algo puramente objetivo. Cada persona aprecia estas cosas, favorable o desfavorablemente, de acuerdo con su formación mental, con sus ideas acerca de lo que cada uno entiende por moral, de una parte: o de lo que piensa sobre arte, de otro lado. En cuanto a mí, creo que el artista que no domine el desnudo le falta todavía un buen trecho qué recorrer por el camino de las realizaciones y algo que llenar en el dominio de la técnica."
 
 
 


 
 
Sin título. Boceto para estudio Desnudo Contemporáneo.
Acuarela.
25 diciembre, 1954.
 
 


 
 
Boceto para estudio Desnudo Contemporáneo (Fragmento).
 
 
 
 
"Sin práctica de desnudos, ningún artista ambicioso y devoto de su arte puede decir que ha completado su obra. Esto en cuanto se refiere al concepto puramente artístico.
En lo referente al aspecto moral que quieren darle a esta clase de manifestaciones estéticas, realmente no comprendo qué tiene qué ver con ellas la ética. Mi conciencia está tranquila, y eso me basta...sólo los iniciados en estos achaques artísticos pueden llegar a comprender el verdadero sentido de estas cosas. Repito: no espero que todos estén de acuerdo conmigo, pero yo tengo mi convicción de que el arte, como manifestación de cultura, nada tiene qué ver con los códigos de moral. El arte no es amoral, ni inmoral. Sencillamente su órbita no intercepta ningún postulado ético".
 
 


 
 
"Los derechos de la mujer", 1954.
Acuarela.
 
 
La obra de Débora Arango se consolida en su capacidad representativa cuando, en una de sus obras, alude a los derechos de la mujer, que solamente hasta 1954 lograron pleno reconocimiento político en Colombia, cuando el gobierno del general Gustavo Rojas Pinilla permitió que finalmente pudieran sufragar. Sin embargo, hasta los años ochenta la mujer no alcanza un espacio de poder concreto en la dinámicas públicas de este país.
 
 


 
 
"Los derechos de la mujer" (Fragmento obra).
 
 


 
 
"Friné o trata de blancas", 1940.
Acuarela.
 
 
"Un desnudo no es sino la naturaleza sin disfraces...La vida, con toda su fuerza admirable, no puede apreciarse jamás entre la hipocresía y el ocultamiento entre las altas capas sociales; por eso mis temas son duros, acres, casi bárbaros; por eso desconciertan a las personas que quieren hacer de la vida y de la naturaleza lo que en realidad no son".
 
-Débora Arango-
 
 
 


 
 
"Friné o trata de blancas" (Fragmento obra).
 
 
 
 
"Creo que el arte y la moral son dos cosas diferentes y por eso pinto cuadros que escandalizan".
 
-Débora Arango-
 
Dijeron de ella también: Una pintora que por falta de méritos artísticos, hace cuadros inmorales para conquistar fama y engañar al gran público.
 
-"La Razón", 10 octubre de 1940-
 
 
 


 
 
"Maternidad", 1952.
Acuarela.
 
 


 
 
"Maternidad" (Fragmento obra).
 
 


 
Museo Nacional de Bogotá.
Colombia.
 
Fotos: Calamanda.-

26 enero 2014

LA MUJER EN LLAMAS DE DALÍ. SALVADOR DALÍ: "LA MUJER EN LLAMAS".

 
 
Salvador Dalí.
Figueras, 1904-1989, España.
 
 
"Durante el éxtasis, en la inmediatez del deseo, del placer, de la angustia, toda opinión, todo juicio (moral, estético, etc.) cambia sensacionalmente. Es como si, a través del éxtasis, tuviésemos acceso a un mundo tan alejado de la realidad como es el del sueño."
 
-Dalí-
 
 


 
 
"La mujer en llamas", 1980.
Salvador Dalí.
Bronce dorado.
Museo Soumaya, México.
Foto Calamanda.
 
 


 
 
En 1936 ingresaron a la historia del arte los hombres y mujeres con cajones de Dalí.
 
 


 
 
Las gavetas son espacios cerrados, interior humano de deseos gratos e irracionales.
Las muletas son necesarias porque el ardor de esta sensual mujer la derrite, ella, quizás por pudor, se tapa la cara.
 
 


 
 
Museo Soumaya.
México.
Foto de Calamanda.
 
 
 
 
 
"Cada mañana al despertarme, siento un placer supremo; el placer de ser Salvador Dalí."
 
-Dalí-

06 enero 2014

PAUL DUBOIS: "LA CHARITÉ". "CARIDAD", DE DUBOIS.

 
 
Paul Dubois.
"La Charité" (Caridad, Charity), 1876.
Bronce con pátina café y negra.
Museo Soumaya- Fundación Carlos Slim.
México.
Foto Calamanda.-
 
 
-Paul Dubois-
 
Nogent-sur- Seine, Francia, 1829- París, Francia, 1905.
 
 


 
 
"Caridad", de Paul Dubois.
Foto Calamanda.-
 
 
"Caridad" es una obra del conjunto escultórico Monumento a la Memoria del General Juchault de Lamoricière (1806-1865) que se encuentra en la Catedral de Nantes.
 
Bernini, Jules Dalou y otros artistas han representado el mismo tema siguiendo un modelo establecido en la tradición: una mujer sostiene y amamanta a sus hijos o niños entre sus brazos.
 
En esta obra se percibe la influencia italianizante que el artista combina con rasgos neoclásicos.
 
La mujer amamantando a uno o varios niños es habitual en la Historia del Arte. En ocasiones a estas obras se las denomina "Alma Parens" (madre lactante).
 
Esta escultura pertenece a su obra principal el "Cenotafio".
 
Son cuatro esculturas de bronce que rodean el mausoleo.
 
Dubois se inspiró en figuras de la tumba de los Médici en Florencia.
 
Las esculturas representan cuatro alegorías: Caridad, Sabiduría, Fe y Valor Militar.
 
Observando sus esculturas se cree que tomó como ejemplo más importante a Miguel Ángel.
 
El artista en su tiempo fue considerado miembro de escultores neo-florentinos del siglo XIX.
 
 
 
 
 
Fue un monumento erigido en 1878 como homenaje del Papado por los servicios prestados a Lamoriciére.
 
 
Paul Dubois estudió en la École Nationale supérieure des Beaux- arts.
El artista, en 1873, fue nombrado conservador del Museo de Luxemburgo.
En 1878 fue Director de la Escuela Nacional de Bellas Artes.
 
Dubois fue galardonado con la Gran Cruz de la Legión de Honor.
 
 
 
 
 
Monumento a la Memoria del General Juchault de Lamoricière.
Catedral de Nantes.-

26 noviembre 2013

FRANZ XAVER WINTERHALTER. MADAME BARBE DE RIMSKY-KORSAKOV.

 
 
Musée d´Orsay.
París.-
 
 
"¡Oh vellón, que rizándose baja hasta la cintura!
¡Oh bucles! ¡Oh perfume cargado de indolencia!
¡Éxtasis! Porque broten en esta oscura alcoba
los recuerdos dormidos en esa cabellera,
la quiero hoy agitar, cual si un pañuelo fuese..."
 
-Charles Baudelaire-
"La cabellera" (fragmento).-
 
 
 
 
Franz Xaver Winterhalter, 1805-1873.
 
 
 
 
 
Madame Barbe de Rimsky-Korsakov, 1864.
Óleo sobre lienzo, 117 x 90 cm.
Franz Xaver Winterhalter.
Donación de la señora de Rimsky- Korsakov e hijos, 1879.
 
 
Winterhalter es un artista con un gran dominio de la técnica, de un virtuosismo que no puede ser negado.
 
Pintor y litógrafo alemán.
 
Nació en el Gran Ducado de Baden, en 1805, y murió en Frankfurt del Meno en 1873.
 
Pasa la mayor parte de su vida en París.
 
Comienza su carrera bajo el reinado de Luis Felipe y realizó numerosos retratos de la familia real y de la corte.
Con la revolución de 1848 abandona Francia con destino a Inglaterra. Regresa de nuevo en 1853 y se consagra como pintor oficial de la corte a mediados del siglo XIX.
 
Se convierte muy rápido en un artista de moda y de gran éxito a nivel internacional.
 
Realizó obras muy conocidas de la emperatriz Isabel de Austria (Sissi) y de la Emperatriz Eugenia que fue una de sus modelos preferida, ella posará para él nueve veces.
 
Adapta su estilo a la moda, atmósfera y lujo de la época.
 
La mayoría de sus composiciones las diseña directamente en el lienzo.
Las copias litográficas de sus retratos aumentaron su fama.
 
Los críticos que primero lo habían elogiado después lo rechazaron. Lamentan que se interese más en la estirpe de sus modelos.
 
"En cuanto al señor Winterhalter, lo único que puedo hacer a su favor es no hablar más"
 
- L´Artiste-
 
Fue víctima de su éxito y pasaría el resto de su vida como pintor de retratos.
 
 Ha sido revalorado en época reciente.
 
 
 


 
 
Musée d´Orsay.
París.-
 
 
El retrato de Madame Rimsky- Korsakov es una prueba del gran dominio de la técnica del artista, que supo plasmar la sensualidad de su modelo.
 
Es una mujer de una gran belleza y el pintor ilumina su rostro con una luz brillante. La figura sale de un fondo oscuro y nos llama la atención su vestido con grandes reflejos y colores claros que resaltan su cabello.
Experto en combinar la textura de los tejidos.
 
Sus retratos transmiten una impresión de deseo.
 
La composición en su obra está cuidadosamente equilibrada. 
 
 
 
 
-Obras de Franz Xaver Winterhalter-
Retratos elegantes y refinados.
 
 
 
 
 
 
 
"Que procedas del cielo o del infierno, qué importa,
¡oh, belleza! ¡monstruo enorme, horroroso, ingenuo!
si tu mirada, tu sonrisa, tu pie me abren la puerta
de un infinito que amo y jamás he conocido?..."
 
 
-Charles Baudelaire-
"Himno a la belleza", (fragmento).- 
 
 
 


 
 
Musée d´Orsay.
París.-

12 octubre 2013

MANET Y "OLYMPIA". ÉDOUARD MANET.

 
"Olympia"
 
 
"Monstruo del amor profano, ella es un escándalo y un ídolo; una presencia pública que rezuma el poder del esqueleto en el armario de la sociedad... Vestal bestia consagrada a la desnudez absoluta, lleva en sí sueños de toda la barbarie elemental y los ritos animales que se conservan en las costumbres y prácticas de la moderna prostitución".
 
-Paul Valéry-
 


 
"Olympia", 1863, de Édouard Manet.
 
 
"Lo bello está hecho de un elemento eterno, invariable, cuya cantidad es excesivamente difícil determinar, y de un elemento relativo, circunstancial, que será, si se quiere, por turnos o todo junto, la época, la moda, la moral, la pasión".
 
-Charles Baudelaire-
 
 


 
Édouard Manet. "Olympia", 1863.
Óleo sobre lienzo, 130 x 190 cm.
Musée d´Orsay.
París.-
 
Manet estuvo muy influenciado por Velázquez, Goya y el Renacimiento italiano.
 
"Olympia" es una obra capital entre la tradición clásica y el arte moderno.
Manet se inspiró en la "Venus de Urbino", de Tiziano, para crear esta obra.
 
Reprocharon a Manet pintar como un niño. El artista renuncia a la perspectiva, con un gran fondo plano, casi ausente de profundidad.
 
La obra provocó un escándalo cuando fue presentada al público, por primera vez, en 1865, en el Salón de París.
La reacción fue muy violenta, todos estaban acostumbrados a ver desnudos de figuras alegóricas y este cuadro gozaba de un gran realismo, también en las novelas del momento el nombre de las prostitutas era Olympia.
Este desnudo fue calificado de inmoral.
La obra fue calificada por los críticos de "ramera manida", "hembra gorila".
Era la primera vez que se veía a una mujer desnuda, en carne y hueso, preparada para hacer el amor y sabían que era la intención de Manet cuando realizó este trabajo.
Durante la exposición, fue urgente y necesario poner a dos personas para proteger el cuadro, de bastonazos de los visitantes.
Tacharon a Manet de provocador y dedicado a lanzar insultos a la moral burguesa del momento.
Muchos vieron también en el cuadro la pose de fotografías pornográficas que circulaban por París, se suponía que iban dirigidas al mercado artístico.
 
La obra también recibió el nombre de "La Venus moderna".
 
 

 
 
 
Manet, en Olympia, nos muestra a una prostituta, mantenida y rodeada de lujo, recibiendo un ramo de flores que le envía un admirador. Las joyas y el gato negro, entre otros, son detalles eróticos que acentúan la provocación de la obra.
 
Olympia mira al espectador.
Ella no sonríe, no transmite romanticismo y misterio.
En esta obra su sirvienta de color es una novedad.
 
La modelo, es Victorine Meurent, amante de Manet, ella nos mira, no se esconde y presume de su oficio.
 
La mirada fue considerada de inquietante por los críticos, porque para el espectador era asumir el papel de cliente de Olympia.
 
 

 
 
 
Resaltan tonos vivos, fuerte contraste de color y luz.
Una gran mancha blanca (desnudo y sábanas) fuertemente contrastada contra el fondo, incluyendo la cabeza de la sirvienta y el gato.
 
La cinta negra resalta la desnudez de Olympia.
 
Siendo una obra que han considerado "brutal", por sus fuertes contrastes de claros y oscuros, sus delicadas yuxtaposiciones de los tonos han hecho de ella una gran obra maestra.
 
Muchos calificaron esta obra de "Odalisca de vientre plano", y Zola, gran defensor de esta obra, respondió a Manet:
 
"Para ti una pintura es un ejercicio de análisis. Querías un desnudo, y tomaste a Olympia, la primera que apareció, querías manchas brillantes y luminosas, y el ramo y las flores las ofreció, querías manchas negras, y añadiste una mujer negra y un gato negro. ¿Qué significa todo esto? No creo que tú lo sepas; yo tampoco. Lo que sé es que lograste crear una obra maestra de la pintura, de la gran pintura, así como traducir a un lenguaje especial la verdad de la luz y la sombra, la realidad de las criaturas y los objetos".
 
 


 
 
El gato negro, con cola levantada, fue pintado posteriormente, es sinónimo de lo que oculta Olympia con su mano, y a su vez destaca más de lo que se intenta esconder.
 
El lomo curvado del gato es símbolo de sensualidad muy descarada.
 
Zola salió en defensa de su amigo y afirmó que Manet necesitaba justo en este lugar un toque de color negro, cerca de otra mancha del mismo color para justificar el color de la criada.
 
Baudelaire, impresionado y obsesionado también con el gato negro, de la obra, escribió en unos versos:
 
"Me hubiera gustado vivir con una joven giganta. Como un gato voluptuoso a los pies de una reina".
 
 


 
 
En la obra destacan diversos símbolos de amor.
 
Olympia lleva perlas, y son atributos de la diosa del amor, Venus.
 
El gato: sensualidad.
 
Orquídea: Olympia lleva en el pelo, y a las orquídeas se les atribuían propiedades afrodisíacas.
 
Lleva una zapatilla nada más en un pie, es símbolo de la inocencia perdida.
 


 
 
León Daudet escribió en 1932:
 
"La Olimpia abucheada, tratada de inmundicia innombrable, de ofensa al pudor, de obscenidad sin nombre, se ha colocado tranquilamente entre los cuadros mas bellos del mundo, junto a la desnuda de Goya".
 
Marcel Proust y Kenneth Clark sintieron fascinación por esta obra de Manet.
 


 
Olympia, 1863.
Musée d´Orsay, París.
A iniciativa de Claude Monet, oferta al Estado por suscripción pública, 1890.
 
 
Manet a Tomás Couture, su maestro:
 
"Hago lo que veo y no lo que les gusta ver a los demás, hago lo que es y no lo que no es".

01 agosto 2013

MAURITS CORNELIS ESCHER: PERSPECTIVA Y FIGURAS IMPOSIBLES. EL ARTE MATEMÁTICO DE M.C.ESCHER.

 
 
 
"En cuartos matemáticos, la división regular del plano se ha considerado teóricamente...¿Esto significa que se trata de una cuestión exclusivamente matemática?, en mi opinión, no es así (...) Los matemáticos han abierto la puerta que conduce a un amplio dominio, pero no han entrado en este dominio de sí mismos..."
 
-Escher-
 
 
 
 
 
Maurits Cornelis Escher.
 
Artista holandés, 1898- 1972.
 
Mundos imaginarios y figuras imposibles en la obra de M.C. Escher.
 
Abandona su carrera en la Escuela de Arquitectura y Artes Decorativas de Haarlem para dedicarse al dibujo y el grabado.
 
"Yo mismo pasé muchos años en este estado de autoengaño. Pero entonces llegó un momento en que parecía que escamas cayeron de mis ojos. Descubrí que la maestría técnica ya no era mi único objetivo".
 
 -Escher- 
 
Sus litografías y grabados en madera están considerados obras maestras de la técnica y sus obras son muy apreciadas por científicos y matemáticos.
 
En 1929 realizó su primera litografía y en 1931 su primer grabado en madera con buriles.
 
Es un artista que despertó gran admiración y logró un gran éxito artístico.
Su preocupación por la perspectiva hace de ella su tema principal.
 
Su obra se caracteriza por sus dibujos en dos o tres dimensiones.
 
Los pensamientos y visiones que se paseaban por su cabeza era el motivo principal en sus obras, no le interesaba la realidad.
 
Sus figuras imposibles son las obras más conocidas de Escher.
 
Artista meticuloso, domina a través de un estudio cuidado y muy perfeccionista su gran dominio de la composición en sus obras.
 
 
 
 
 
 
Recorrió diversos lugares por Europa, entre ellos España y especialmente Granada.
La Alhambra de Granada le entusiasma y copia motivos ornamentales, ésta tendría después una gran influencia en numerosas obras del artista.
 
En sus obras destaca una gran destreza en el dominio del espacio tridimensional, la geometría y el realismo, consiguiendo efectos especiales y únicos.
 


 
 
 
Bruno Ernst, biógrafo y amigo personal de Escher, define sus obras y las clasifica en tres temas:
1- La estructura del espacio.
2- La proyección del espacio tridimensional en el plano.
3- La estructura de la superficie.
 
Escher realizó más de 2000 dibujos, 400 litografías, gran cantidad de xilografías y grabados. Existen cientos y miles de reproducciones de su obra.
Sus trabajos están repartidos por todo el mundo y un número importante de sus obras de forma permanente están expuestas en el Museo Escher de La Haya y en diferentes museos.
 
 
Obras de Escher:
 
 
 
 
"Intento en mis impresiones dar testimonio de que vivimos en un mundo bello y ordenado, no en un caos sin normas, a pesar de que eso es lo que parece a veces".
 
- Escher-