12 abril 2015

TIGRAN TSITOGHDZYAN. LA TRANSPARENCIA ARTÍSTICA DE TIGRAN TSITOGHDZYAN. ESPEJOS DE TIGRAN.

 
 
 
La transparencia artística de Tigran Tsitoghdzyan.
 
 
Artista que ha impresionado por su técnica cuidadosa y detallista.
 
 
 
 
 
 
 
"Espejo", 2012.
Óleo sobre tela, 254 x 178 cm.
Colección privada.
 
 
 
 Tigran combina el retrato y el surrealismo de una manera profunda.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Nació en Ereván, Armenia, en 1976.
 
 
Un niño que pintaba como un adulto.
 
 
Comenzó a pintar a los cinco años.
 
El director y fundador del Museo de Arte Moderno, Henrik Iguitian, también crítico de arte, descubrió muy pronto el gran talento que poseía.
Iguitian organizó su primera exposición, en Ereván, Tigran tenía diez años nada más.
 
Expuso en España y EE.UU.
Después continuaría con diversas exposiciones por Armenia, Europa Occidental, Rusia y Estados Unidos.
 
Obtuvo numerosos galardones por organizaciones no gubernamentales y fundaciones en Armenia y Rusia.
 
Sus obras se incluyeron muy pronto en catálogos de artistas armenios modernos.
 
 
 
 
 
 
 
Estudió en la Academia de Bellas Artes de Yerevan y trabajó como decorador en el Teatro de Pantomima.
 
Continuó sus estudios en Suiza.
 
En 2005 obtuvo el grado de Maestría de Arte en el Espacio Público (MAPS)
 
La mayoría de sus obras, en la actualidad, se encuentran en galerías, museos y colecciones privadas.
 
 
Es una combinación de técnica clásica con un toque contemporáneo, dicen de su estilo.
 
Pinta grandes lienzos al óleo.
 
Reside en Nueva York. 
 
 
 
 
 
 
 
 
"Espejo III", 2013. (Fragmento obra)
Óleo sobre tela, 190 x 127 cm.
Colección privada.
 
 
Las manos y los rostros son los protagonistas de sus obras.
 
 
 
 
 
 
 
"Espejo negro", 2013. (Fragmento obra)
Óleo sobre tela, 190 x 127 cm.
Colección privada.
 
 
 
"A primera vista puede parecer fotografías editadas con Photoshop o pintura corporal obras maestras, pero en realidad esos son enormes pinturas al óleo"
 
-La Reppublica (sobre su serie Espejos)-
 
 
 
 
 
 
 
 
"Tigran está especialmente interesado en como las personas interactúan en esta nueva era de la tecnología y los medios de comunicación social. Sus imágenes de Espejos sugieren un examen minucioso de uno mismo, y sin embargo, las manos apoyadas en la cara en muchos pedazos protegen el tema de la observación directa"
 
-"Tigran Tsitoghdzyan: Reflexión en la Era de la Tecnología", de Rebeca Killman. Revista Visual Languaje, 2014, sobre su serie Espejos-
 
 
 
 
 
 
Yerevan Studio, 1990.
Director Karen Mesian.
Compositor Robert Amirkhanian.
 
 
 
 

22 marzo 2015

LA PRIMAVERA DE GOYA. LA PRIMAVERA O LAS FLORERAS, DE FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES. LOS CARTONES PARA TAPICES DE GOYA.

 
 
"La Primavera" o "Las Floreras"
1786-1787 (detalle obra)
Francisco de Goya y Lucientes.
 
 
"Empiezo a tener enemigos mayores y con mayor encono"
 
-Goya-
Goya escribe a Zapater, a propósito de los cartones entregados en 1779 y tener el privilegio de asistir a la aprobación de sus trabajos por el rey.
 
 
 
 
 
 
"La Primavera" (detalle obra)
 
 
 La Primavera o Las Floreras pertenece a una serie que fue destinada al comedor del Príncipe de Asturias, en el palacio de El Pardo, Madrid.
Forma parte de una serie maravillosa de cartones para tapices y representan las cuatro estaciones del año y los temas son de género popular: La Primavera, La era, La Vendimia y La Nevada.
El otoño o La Vendimia está considerada una de las obras maestras de la juventud del artista.
 
Goya quiere captar la luz de cada estación y tiene un interés especial en esta serie.
 
El artista representa una escena campestre.
 
La composición de esta obra es piramidal, es la moda del momento y asegura éxito.
 
Goya utiliza una paleta de colores claros y luminosos.
 Destacan en el cuadro toques brillantes de color rosa, rojo, verdes, azules, blancos y que no dominan el conjunto de la obra.
Destacan las pinceladas sueltas y el artista inunda con una luz magnífica el cuadro.
 
Una joven florera o florista vestida de maja ofrece una rosa a una señora, arrodillada.
 
El vestido de maja suele ser de vivos colores y destaca la figura de la mujer, deja ver un amplio escote y también a la vista el tobillo y el pie. Llevan el cabello recogido en una red.
Los trajes de maja eran típicos en el atuendo de los gitanas del sur, al parecer, y Madrid los comenzó a utilizar para las fiestas de San Isidro y después se convirtió en una especie de traje nacional.
Fue una protesta en contra de la influencia francesa.
En la época de Goya imitan las clases sociales esta moda y es una manera elegante de protestar contra el dominio francés.
 
La joven maja arrodillada puede hacer alusión a Flora.
Flora en la mitología romana era la diosa de la primavera, las flores y los jardines, y simboliza la renovación del ciclo de la vida.
 
La señora lleva de su mano a una niña con un pequeño ramo de flores.
La niña muestra una actitud infantil tirando de su mano.
 
Detrás un hombre, campesino, nos hace señas a nosotros con el dedo, pide silencio, él parece que quiere dar una sorpresa a la señora con una liebre o un conejo en su mano, es símbolo de la fecundidad y también está asociado a la primavera.
 
A la izquierda de la obra vemos una Iglesia.
 
Las montañas del fondo de la obra pueden ser un recuerdo a la Sierra de Guadarrama, cerca de Madrid, o también Gredos, muy cerca del lugar donde el artista había trabajado un par de temporadas.
 
  
 
 
  
Óleo sobre lienzo, 277 x 192 cm.
1786-1787.
Museo Nacional del Prado. Madrid.
 
 
Goya centró en la primera mitad de su vida creativa la realización de cartones de tapices para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara.
Comienza en Madrid en 1775 y colabora con Mengs, primer pintor de cámara y director artístico de la Real Fábrica. Dedicó dos décadas a esta actividad y para tres generaciones de la Familia Real.
Su reconocimiento llegó once años después, cuando fue nombrado pintor del rey en 1786.
 
Todos eran una novedad, no había pintura de género en España hasta la creación de los cartones de Goya.
 
Reflejaban imágenes originales y nuevas.
 
Pintó siete conjuntos de pintura para tapices y cincuenta se conservan en el Museo del Prado.
 
No eran las únicas, pero quizás las más relevantes que se hicieron para la Real Fábrica.
En la mayoría de las obras el artista ha utilizado colores ricos y dan vida a la composición.
 
Destacan las escenas de entretenimiento de la nobleza y el pueblo, cotidianas.
 
Los cartones de Goya no son bocetos, son magníficas pinturas al óleo completas y finalizadas.
 
 
 
 
 
 
Los Cartones para Tapices de Goya.
 
 
 
 
 
 
Me dijo un alba de la primavera:
Yo florecí en tu corazón sombrío
ha muchos años, caminante viejo
que no cortas las flores del camino.
 
Tu corazón de sombra, ¿acaso guarda
el viejo aroma de mis viejos lirios?
¿Perfuman aún mis rosas la alba frente
del hada de tu sueño adamantino?
 
Respondí a la mañana:
Sólo tienen cristal los sueños míos.
Yo no conozco el hada de mis sueños;
no sé si está mi corazón florido.
 
Pero si aguardas la mañana pura
que ha de romper el vaso cristalino,
quizás el hada te dará tus rosas,
mi corazón tus lirios.
 
 
-Antonio Machado, 1875-1939-
"Me dijo un alba de la primavera"
  
 
 

30 enero 2015

THORSTEN BRINKMANN. LOS CACHIVACHES DE BRINKMANN. BRINKMANN, COLECTOR DE SERIE. "AMANECER", DE BRINKMANN.

 
"Sir Knickrik, 2012 .
 
 
 
"Por mucho tiempo he trabajado con los objetos, pero llegué al dilema de cómo mostrar mis intenciones artísticas sin tener que hacerme presente. Me gustan mucho los perfomanceros de los años 70, pero creo que se convirtieron en algo muy prevalente que a veces rebasaba la importancia de la pieza en sí misma, yo no quería caer en eso, así que decidí convertirme en un personaje pero sin rostro, no quería aparecer ahí"
 
-Thorsten Brinkmann-
 
 
 
 
 
 
Exposición "Amanecer".
Museo Nacional de San Carlos. México. 
 
 
 
Thorsten Brinkmann.
Nació en 1971 en Herne, Alemania.
Formado en Bellas Artes en la Escuela de Hamburgo (1997- 2004).
 
Su obra se ha presentado en más de 20 países en exposiciones individuales.
Recibió en el año 2011 el Premio de Arte Finkenwerder, sexta edición de este galardón de carácter bienal, que tuvo su primera edición en el año 2000.
 
Reside en Hamburgo y es allí donde guarda todos los objetos que encuentra o se le cruzan en su camino.
Los objetos los almacena en su estudio, para convertirlos en  importantes herramientas de su trabajo. Objetos que para la mayoría de la gente son sólo basura, inservibles, que se venden en los mercados de pulgas, en tiendas de segunda mano y enriquece su obra, con mesas, sillas viejas, fotografías, vídeos, ropas, armarios, telas, pantallas de lámparas, muchas cosas.
Esta masa de materiales se ha utilizado para una obra diversa que se mueve entre diferentes géneros.
Durante años Brinkmann ha recogido objetos que se hicieron inútiles.
El artista une todos los elementos elegidos de manera que ajusten entre sí y crea instalaciones en las que en numerosas ocasiones él mismo con su cuerpo participa.
Sus fotografías son modernas naturalezas muertas.
 
Ha sido calificada su obra de mercado sofisticado e inquietante y en numerosos países está despertando gran interés.
 
 
 
 
 
"Padre Blechle", 2010. 
 
 
 
Su obra ha sido calificada como fantástica y se mueve entre la fotografía, escultura, instalaciones y pintura.
 
¿Por qué sus autorretratos son siempre sin cabeza?...
 
"No me importa sólo para tomarme como una persona en primer plano. No tengo nada en contra de mi cara, nada!"
 
 
     -Thorsten Brinkmann-
 
 
 
 
"Lady Glittersky", 2009.
Museo Nacional de San Carlos.
Exposición "Amanecer".
 
 
 
La ausencia de la cara es la gran característica de alcance en todas sus obras.
 
Sus obras nos recuerdan ejemplos holandeses del Barroco, en el color, posturas y disposición.
 
 
 
 
 
"Barroco tropical", 2012.
 
 
 
Su obra nos muestra la manera despreocupada y superficial en la que nuestra sociedad se ocupa de los objetos.
 
Trabaja exclusivamente con objetos utilizados cotidianos.
 
Los retratos de naturaleza muerta contienen objetos de la colección del artista, de la que se llama a sí mismo un "colector de serie".
 
 
 
 
 
"Milkymaid (Close up), 2009. 
 
 
 
La auto-dramatización por medio de la fotografía es uno de los aspectos más significativos de su obra, en las que el artista es director, actor y fotógrafo al mismo tiempo, utilizando el disparador de su cámara automático.
La fotografía siempre ha sido muy utilizada a lo largo del tiempo por todos los artistas que se autorretratan, pero Brinkmann renuncia a toda seña reconocible en sus obras.
El autorretrato es una de las principales líneas de trabajo del artista.
 
 
 
 
 
Museo Nacional de San Carlos. México.
 
 
 
Ready-made, más comúnmente objeto encontrado, describe el arte mediante la utilización de objetos que normalmente no se consideran artísticos.
Marcel Duchamp fue su creador a principios del siglo XX.
En el siglo XIX, el Conde de Lautréamont llamó la atención con una frase por la posibilidad de transformar objetos vulgares: "Bello como el encuentro fortuito de una máquina de coser y un paraguas sobre una mesa de disección".
 
Brinkmann crea ready-mades que hacen referencia a la historia del arte compuestos esculturalmente y en ocasiones combina con yesos realizados de su propio cuerpo.
 
 
 

 
 
"Amanecer".
 Museo Nacional de San Carlos.
México.
 
 
 
"Quise mostrar muchos niveles en este trabajo, ciertamente hay una crítica al consumismo pero también hay un diálogo con la historia del arte, así como un análisis sobre cómo se pueden trabajar piezas con objetos de nuestro tiempo y cómo se puede dialogar con temas ya establecidos como el retrato y el paisaje"
 
-Thorsten Brinkmann-
 
 
Brinkmann expuso en México "Amanecer", con mucho éxito, exposición con la que describe el movimiento perpetuo de los objetos, en el Museo Nacional de San Carlos.
 
La exposición de sus obras fue enriquecida con chácharas que el artista adquirió durante su estancia en el país.
 
"Aquí tuve la impresión de que puedes adquirir casi cualquier cosa (México), que tengo aspecto de gringo y que sólo por eso me querían vender las cosas a precios más altos. Por suerte hubo gente que me orientó y me llevó con la gente correcta. Entre los objetos más bizarros que encontré en México son los que tienen figura animal, vi por ejemplo una jirafa o animales tropicales, eso jamás lo encontraría en Hamburgo"
 
- Thorsten Brinkmann-
 
 
La muestra ha sido presentada en su tierra natal y en diferentes países como Bélgica, Irlanda y Suiza.
 
 
 
 
 
"Reginald von Eckhelm, 2010.
Museo Nacional de San Carlos. México. 
 
 
 
Un crítico dijo sobre su obra:
 
"Es cómo el presente caza con el pasado, o cómo los géneros pueden ser redifinidos: Su obra es considerada una búsqueda aventurada de la cohesión de géneros y eras".
 
 
 
 
 
 
Exposición "Amanecer".
Museo Nacional de San Carlos. México. 
 
 
El artista dijo:
 
"Aprendí  que casi todo puede ser vendible"
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 Museo Nacional de San Carlos. México.
 
Información :
Museo Nacional de San Carlos.
El Universal.
 
Fotos: Luis F. Puy.

29 agosto 2014

LA ENERGÍA CREATIVA DE PAUL NEVIN. NEVIN EN EL MUSEO DE ARTE MODERNO DE MÉXICO. PAUL NEVIN, ESCULTOR.

 
 
Paul Nevin.
1949, Francia.
 
Obras en hierro forjado, por cortesía del artista.
Museo Arte Moderno, México.- 
 


 
 
 El trabajo escultórico de Paul Nevin recurre al metal como materia prima.
 


 
 
 
 Para Nevin el metal es el medio perfecto para expresarse.
 


 
 
 
El movimiento, las líneas, la ligereza, las luces, las sombras, la solidez, salta a la vista en su obra.
 
A la mayoría de sus piezas no les da el tratamiento de pátina, con la intención de que se oxiden.
Subraya las características del hierro, aprovechando sus posibilidades estéticas.  
 


 
 
 
 Las obras expuestas de Paul Nevin proponen una convivencia inquietante, entre ángulos rectos y formas curvas.
Esta combinación ofrece cortes y discontinuidades en la obra.
 
En esta propuesta, formalmente descriptiva, los vacíos de las formas inciden en la composición y generan una armonía rítmica.
 


 
 
1- Escultura clásica, 1998.-
 
2- Volaron los pavos reales, 1998.-
 
3- Sin título, 2005.-
 
 
 
Información: Museo Arte Moderno de México.
 


 
Museo Arte Moderno. México.
 
Fotos de Calamanda.- 

01 junio 2014

DALÍ Y ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS. ESCULTURA "ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS", DE SALVADOR DALÍ.

 
 
 
 
¿Quieres decirme por favor, qué camino debo tomar para salir de aquí?
-Eso depende mucho de a dónde quieres ir- respondió el gato.
-Poco me preocupa a dónde ir- dijo Alicia.
-Entonces poco importa el camino que tomes- replicó el gato.
 
Lewis Carroll. Alicia en el País de las Maravillas.
 
 


 
 
"Alicia en el País de las Maravillas"
Alice in Wonderland.
Bronce dorado, 1977.
Salvador Dalí. Figueras, 1904-1989. España.
Museo Soumaya.
Foto de Calamanda.
 
 
 
Dalí realizó una serie de pinturas en 1969, para ilustrar con una edición especial la narración fantástica del escritor inglés Lewis Carroll, de su famosa novela "Alicia en el País de las Maravillas".
Una colección de doce dibujos, uno por cada capítulo. Surrealismo para el alucinante libro de Carroll, convirtiéndose en uno de los libros más codiciados del momento.
 
El artista, posteriormente, en 1977 realizó esta escultura en bronce dorado.
La cabeza es un ejemplo de las dobles imágenes que mucho le gustaban a Dalí.
 
Para representar a la niña tomó de modelo una figura que ya había pintado en 1936,  podría tratarse de su prima Carolina o bien de su hermana Ana María, incluso también podría ser su compañera y musa Elena Ivanovna Diakonova, conocida popularmente Gala.
 
Despertó gran interés una reproducción de esta escultura, se expuso en los Alpes franceses en 2010. 
 





 
 
 
"De entre los cinco sentidos, el olfato es incuestionablemente el que mejor da la idea de la inmortalidad"
 
-Dalí-
 
 
 
 
 
Museo Soumaya. México.
Alicia en el País de las Maravillas.
 
Fotos de Calamanda.-
 
 
 
 
 
 
 
 
"Si conocieras el tiempo tan bien como lo conozco yo - dijo el Sombrero -, no hablarías de derrocharlo como una cosa. El tiempo es una persona"
 
-Lewis Carroll, de Alicia en el País de las Maravillas-
 
 
 
 

23 abril 2014

MUJER DE ANTIOQUIA Y COLOMBIA: DÉBORA ARANGO. DÉBORA ARANGO: CONCIENCIA Y MEMORIA. ÓLEOS DE DÉBORA ARANGO.

 
 
 
"Mostrar una realidad, hacerla palpable a los ojos de todo el mundo, dejar un sentimiento de rechazo o simpatía por lo que nos rodea"
 
- Débora Arango-
 
 
 
 


 
 
"Madona del silencio", ca. 1944.
Óleo sobre lienzo.
Débora Arango.
 
 
 
"A través de la historia de las artes o de las letras los nuevos movimientos, las tendencias renovadoras, las concepciones revolucionarias, nacen violentamente, entre los encendidos embates y protestas de quienes pretenden interrumpir la marcha de los tiempos, la angustia de los seres desorientados ante el derrumbamiento de los viejos castillos tradicionales y el clamor laudatorio, el respaldo y el impulso de quienes otean en los horizontes de la noche, la llegada inusitada de nuevas auroras...
 
Desarrollar hasta el máximo la personalidad humana, exaltar todos sus atributos buenos o malos pero expresión de ese subfondo de la conciencia de los hombres, dar una expresión artística a esas fuerzas sentimentales e instintivas pero permanentes y fundamentales que hacen del hombre la indisoluble unión de animal y espíritu, tales son, en mi concepto, las directrices que por imposición de su propia personalidad estética, Débora Arango siempre busca y descubre. Los artistas son al fin y al cabo, los escrutadores de la vida humana".
 
Débora Arango.
La crítica y su obra.
Por Guillermo Forero Benavides.
 
 
 


 
 
"Madona del silencio" (Fragmento obra).-
 
 
Arango en esta obra representa un parto callejero. Una mujer da a luz en la esquina de una calle.
 
 
 


 
 
"La lucha del destino", 1944.
Óleo sobre lienzo.
 
 
 
Una mujer que pinta con valor y emoción, a pesar de los ataques de los críticos.
 
En obras cargadas de colorido, la pintora antioqueña ha realizado algunas obras de mérito innegable y su nombre ha quedado vinculado a las últimas promociones artísticas colombianas.
Débora entraña el caso de la mujer que llega al arte con desenfado y seguridad de sus propios méritos y de su pincel.
Pinta con vigor y todo en ella es afirmación de un temperamento y nítida definición de una modalidad.
 
Escenas del pueblo, instantáneas con denso contenido humano.
 
 
(Periódico "La Razón". Octubre de 1940. Colombia)
 
 
 


 
 
"La raza en la calle", ca. 1944.
Óleo sobre lienzo.
 
 
Débora Arango, sus obras tienen un vigor extraordinario y pintan la vida de una manera realista, desnuda, casi ofensiva en su valerosa verdad.
 
Una pintora que deslinda la moral del arte y deja que su pincel copie instantáneas de realidad, sin modificación alguna de la primera sensación artística que despiertan.
 
-Periódico "La Razón". Octubre de 1940. Colombia-
 
 


 
 
Fotos de Calamanda y Le Désespéré de Gustave Courbet. 
 
 


 
 
"La raza en la calle" (Fragmento).-
 
 
En las obras de Débora destaca principalmente la importancia de la línea, líneas gruesas y negras que ella repite en sus composiciones.
 
Sus óleos parecen fotografías que capturan instantes en cualquier lugar.
 
 
"Mi especialidad es la figura, naturalmente, y más que la figura la expresión. En el colorido prefiero los contrastes fuertes (...) La expresión pagana surge espontáneamente de mi temperamento...-¿Y cómo interpreta usted esas inclinaciones?-
Quién sabe...No siempre el artista se refleja en sus cuadros, y yo tengo un espíritu tranquilo, reposado y analítico. El fenómeno debe surgir probablemente de la interpretación emocional que me producen los demás". 
 
 
 


 
 
"Justicia", ca.1944.
Óleo sobre lienzo.
 
Tres policías rodean a una prostituta y manifiestan con su gesto una inclinación exagerada al deseo sexual.
 
 
 


 
 
 
"Cuando se pinta hay que darle humanidad a la pintura"
 
-Débora Arango-